美術をもって尊しとなす

　少なくとも私にはアンドリュー・ワイエスの作品に悲愴感は感じられず、展覧会場を進むにつれて力強い印象しか残らなくなっていきました。入口のキャプションにはお父さんの死によって「死生観が変わった」、「思索的な深まりをもたらした」と書かれてありました。死生観が変わる、思索的な深まりをもたらすとはどういうことなのでしょうか。

　ワイエスの作品は曇り空が基本です。明るめな色はあまり使われていないので、それで一見寂しい絵にみえているかもしれません。描かれている作品のテーマがまた何というか視点が面白いです。

《鐘つきロープ》は教会の鐘楼への階段と鐘を突くためのロープが描かれている作品です。教会の外観とか、鐘そのものなどがテーマになることが多そうですが、ワイエスが好きだったという鐘つき場の階段、いわば裏方のロープに着目しているわけです。

《ブルーベリーのバケツ》もそうです。左側に大きな窓があり右側には妻ベッツィが摘んだブルーベリーがたっぷり入ったバケツがあります。そこに妻が描かれていなくても、妻が摘んだブルーベリーのバケツを描くことで妻の存在を伝えている。これは妻を描こうと想ってブルーベリーのバケツを描いたのか、ブルーベリーのバケツがあったから妻を思って描いたのか。人物を描くことは、肖像画だけではないのですね。こういう間接的な描き方はかっこいいと思います。

そして、《クリスティーナ・オルソン》。クリスティーナは多くのワイエス作品にモデルとして登場しているワイエスにとって重要な人物です。ワイエスは彼女のことを「傷ついたカモメを思い起こさせた」と述べたそうです。これはどういった意味でしょうか？私が感じたことは、クリスティーナの姿は傷ついているとも取れるしあきらめているとも取れる。かと思えば「私はここで生きていく」という彼女の意志の強さ、凛々しさも感じます。１枚の作品からこんなにいろいろな感情があふれてくるのを読み取っていこうとするのはとても面白いし、ワクワクするし、やめられません。

最後に、《薄氷》を紹介します。今回の展覧会での私の一押し作品です。画面一面に枯葉が描かれています。その中に光が差し込んでいて、それが力強い生命力を感じさせます。この作品を観た時に、父親の死によって死生観が変わったという意味が、解ったというよりも感じられた気がしました。はじめはネガティブな捉え方をしていましたが、そうではなく、死というものを悲しいことという感情だけで終わらせていないのだと思ったのです。

　そこに描かれているのは、ただ単に目の前のものを写しているだけではなく、そこに描かれていない「想い」があるのだということを改めて思い出した展覧会でした。

東京都美術館『アンドリュー・ワイエス展』

会期:2026年４月28日(火)～７月５日(日)

巡回展:豊田市美術館、あべのハルカス美術館

　YouTube番組『山田五郎のオトナの教養講座』をご存じの方は多いと思います。とても勉強になるこの番組が私は大好きで欠かさず観ています。それどころかもう3周ぐらい繰り返し観ています。この番組で3年ほど前にウジェーヌ・ブーダンの作品を取り上げていて、「海景画家というよりむしろ空景画家なのだ」と五郎さんが紹介していました。その時なるほど！と思ったのです。私もブーダン＝海景画家の認識でしたから。SOMPO美術館でブーダン展が開催されると知った瞬間に「実際に観に行かなければ」と思っていました。

　いやはや、五郎さんの言う通り、空の画家でした。海と船舶の作品は特に爽やかで、夏に鑑賞するにはぴったりです。と、思ったときに、この爽やかさはどこから来るのだ？と考えました。それはおそらく“海、空、雲”に加えて“風”の表現を感じたからではないかと。だって、雲が流れているのがわかるのですよ。《トルーヴィルの海水浴客》という作品を観てみてください。大袈裟ですけど動画かと思いますよ。あー、そうなると、雲の間の青空もそういうことなのか。全部ではないけれど、今回観たほとんどの作品は、どんなに小さくても雲間に青空があるのです。風が吹いて雲が晴れて青空がのぞいている。全くの曇り空も味がありますが、青空を見つけるたびになんだか前向きになれるような気がしました。動物、中でも牛が主役の作品でも、画面の半分は空が占めていました。そこにも雲があり、風を感じたのでした。

　ブーダンはモネに外での写生を勧めたことで知られています。ブーダンの人物を描いた作品を観ると納得です。モネがブーダンを慕っていたのが伝わってきます。

　清々しい気分になれた今回の展覧会で、私はすっかりブーダンファンになりました。

　そして、がんであることを公表されている山田五郎さんが、早くがんの撃退に成功しますように。

SOMPO美術館『ウジェーヌ・ブーダン展—瞬間の美学、光の探求』

会期：2026年４月11日(土)～6月21日(日)

巡回展：松本市美術館、山梨県立美術館、群馬県立近代美術館、

　　　　美術館「えき」KYOTO

　その作家の仕事を一度に観ることができる個展はもちろん楽しいです。今回の静岡県立美術館のように周年記念の展覧会は、いろいろなジャンルの所蔵品を観ることができるので、個展とは別の魅力があります。

　　「７つの扉」ということで、７つの章に分かれています。タイトルの「ひらく」には「美術館を紐解く」という意味もあるようです。何年も前の収集計画書などの展示もあり“オープン”だなぁと思いました。

　印象に残ったものをいくつか挙げてみます。一つ目は絵馬です。絵馬といっても馬だけではないのですね。面白かったのは《人に鍵》というタイトルの付いた絵馬。人という漢字の中に箱型の鍵の絵が描かれています。芹沢銈介美術館の所蔵品だそうです。この絵馬は何の願掛けなのでしょうか。空き巣防止でしょうか。

そして、高橋由一や川村清雄の作品や額縁についてと続きます。さらに、ピサロやモネ、ヴラマンクの風景画があります。

　静岡県立美術館といえば、伊藤若冲《樹花鳥獣図屏風》。枡目描きの技法も素晴らしいですし、何よりこの動物たちのかわいさ！アニメの世界です。白象を筆頭に愛らしいキャラクターたち。このキャラクター一つずつに物語が作れそうな気がします。桝目描きの凹凸の分析研究も興味深い展示でした。

さすが静岡と思うのが、富士山の作品がずらりと並んだところです。狩野探幽《富士山図》が２点。余白にとても味がある。私の大好きな余白。作家はどのような思いを込めてこの余白をつくるのでしょう。この余白は直観か、計算か。何を表現したかったのかを想像するのも面白いです。

　富士山といえば横山大観《群青富士》。大観が描いた数点の富士山の中で、《群青富士》のブルーは素晴らしかった。富士山の雄姿、威厳、さらに清々しさをもあのブルーで表現されているように感じました。

　最終章に近づくと現代美術です。草間彌生、河原温、具体の作品が並びます。収集の基準はもちろんあるのですが、幅の広いジャンルの作品と出会えて充実の展覧会でした。 　

　静岡県立美術館で忘れてはならないのはロダン館です。素晴らしいロダン彫刻のコレクションです。これだけの数のロダン彫刻を一度に観ると少し怖くなります。大きいこともそうだし、動き出しそうなのもそうなのですが、それに加えて鬼気迫る迫力がありますね。圧倒されて写真撮影を失念してしまいました。

『開館４０周年記念展　静岡県立美術館をひらく７つの扉』

会期：2026年4月25日(土)～6月21日(日)

　私は、名前は知っているけど作品は観たことがないとか、詳しく知らないとかそんなことが多いです。ですので、展覧会情報からそういった「ネタ」を見つけて足を運ぶということがよくあります。

　今回の荻須高徳もそうです。作品を観たことはあるけどそんなに詳しくない、だから観に行く。ということで八王子へ行ってきました。

　荻須高徳、26歳でパリへ渡り、50年以上をパリで過ごした画家です。作品を観てパッと名前が出てくるかというと、正直そういう画家ではないです、少なくとも私は。ただ、この展覧会で観た作品は「本当のパリ」を描いてるなぁと思いました。純粋にこの画家が愛したパリを素直に描いた、といった感じ。そういう意味で荻須高徳にとっての「本当のパリ」なのではないかな。私自身、パリに憧れがあるからかもしれないけれど、何気ない街並みがすごくかっこよく見えました。特にモノクロのリトグラフ。渋い。画家として成功したいと思って渡仏したとは思うけど、ガツガツ感があまり感じられない。その素朴さに好感が持てました。日本人らしさを出そうとかそういうアピール感を決して感じない。わざとらしくないというのかな。人でいうと“好青年”って感じ。とはいえ、雪景色が描かれている作品には浮世絵を思わせるところがあってそれがなんだか少し私をホッとさせました。

　大きな展覧会で他の画家の作品と一緒に並んでしまうと荻須作品の好感度が目立たないから、今回のような荻須高徳だけの展覧会はよさが引き立つような気がします。

　　愛知県稲沢市にある荻須高徳の美術館へも行ってみたい。八王子展ではラスク販売してたけど、稲沢市の美術館では販売しているかしら。あとから食べてみたくなってしまいました。買えばよかったなぁ。

　藤田嗣治と国吉康雄、今まで同時に語られることはありませんでしたよね。正直、フジタのほうが有名だし、国吉のことはもちろん知ってはいましたけど、フジタほどの情報量は持っていませんでした。以前このブログで国吉の展覧会をご紹介しましたが、私が国吉に興味を持ったのはそこからです。もっと日本でフォーカスされてもいいのになぁと。あの時から、何となくフジタと通じるところがあると思ってはいました。年齢も近いし二人とも外国で大活躍した日本人。そして二人ともある意味祖国と決別した日本人。ただ、そういった事実だけではない、もっと深いところで通じているものがあるのではないかと思いました。

　国吉はフジタ嫌っていた、というようなことを何かの本で読んだ気がしていました。不仲説はわりと広まっていたようです。その記憶が残っていて、私の国吉に関する知識も少なかったこともあり、「パリで成功したフジタがうらやましかったのかな」と思っていました。今は違うと思っています。だって国吉はアメリカで十分に認められていたし、うらやましがる必要はなかったのです。それでも国吉もパリに拠点を移そうとしたことがあったらしいです。言葉の問題などもあって断念したらしいですが、当時の美術の世界では芸術の都はやっぱりパリだったのですね。二人はただ出会う機会がなかった、それが本当に偶然でも、意図したことだとしても。そして、今回の展覧会で知って私がちょっと感動したことがありました。

　国吉康雄、近藤赤彦、藤田嗣治、三画伯のコラボ作品が見つかったとのこと。国吉と近藤赤彦の牛ははっきり見えるのだけれど、フジタの描き込んだところだけが薄くなってしまって気づかなかったらしく、発見はつい最近だそうです。その薄くなったフジタが描いた部分が、これがまたフジタっぽくてエッジが効いているなぁと思いました。

　そこで私はこうも考えたのです。二人が不仲というのは大げさな表現で、ただお互いをライバルとみなしていただけなのでは、と。ライバル＝不仲、ではないはず。このコラボ作品は不仲説を否定するものとされていますが、そもそも不仲でもなんでもなく、たとえそんなに仲良しじゃなかったとしても大人の対応で一緒に絵を描いたとも受け取れるわけです。ただ、本人たち以外からすれば、「不仲説」というのは面白いネタになったのかもしれません。二人が多くを語っていないのでこういう話には尾ひれがつくもの、なのかなと思ったのでした。

　似て非なる藤田嗣治と国吉康雄、二人の関係を想像するのも楽しかったのですが、なんといっても二大画伯の作品を同時に鑑賞できるというとても充実の展覧会でした。

　似て非なる二人ですが、ポートレート写真、似ていませんか？

兵庫県立美術館『藤田嗣治×国吉康雄：二人のパラレル・キャリア―百年目の再会』

会期：2025年6月14日(土)～8月17日(日)（休館日：月曜日）

　幅広いコレクションを所蔵しているDIC川村記念美術館、いつかここのコレクション展をブログにしたいと思っていました。こんな形で紹介することになるとは…。2025年3月で閉館してしまうのは本当に、とてもとても残念です。残念に思っているのは当然私だけではなく大勢の方が訪れていました。

　川村記念美術館へ来るたびに、充実したコレクションを素晴らしいと思っていました。レンブラント、モネ、シャガール、藤田嗣治、カンディンスキー、コーネル、ウォーホル、杉本博司、と巨匠の名を挙げていったら延々と続いてしまいます。今回の最後の展覧会は、その充実のコレクションが一挙公開されています。その中で私が好きな作品を２点ご紹介します。１点目はピカソ《シルヴェット》。モノクロで女性が描かれています。髪を少し上のほうで結んでいて、清楚な感じが漂っているのがとても好きです。毎回立ち止まってじっと見入ってしまします。２点目はマーク・ロスコ《シーグラム壁画》。照明を落とした展示室にロスコの大きなサイズの作品が展示されています。ただ四角く色が塗られているだけなのに、なぜ吸い込まれそうになってしまうのか不思議です。展示室の中央のソファにたくさんの人たちが座ってじっくり作品を眺めているのを見て「気持ち、わかります！」と心の中で話しかけました。ソファが空いていたら私も座ってもう少し吸い込まれる体験をしていたかったです。２巡目にソファ着席にチャレンジしに行ってみたら、展示室の前で入場制限がかけられていました。やはり人気の作品ですからね。

　ある展示室には、小さめのサイズの作品が３面の壁に割とびっしり掛けられていました。作者とタイトルはQRコードで読み取って手元で見ることができ、作品の前まで行ってタイトルを見なくても、自分の観やすい位置でタイトルを確認しながら見れるのはとても便利でした。この作品リストはHPでも見ることができます。

　今後、作品は一部売却されたり、六本木の国際文化会館に移転されたりするそうなので、作品自体にはきっとどこかでまた出会えるでしょう。庭園の一部は解放されるようです。ただ、白鳥や野外作品とあのどんぐり帽子の建物と合わせていっしょに会えなくなってしまうのはなんだか切ないなぁと思いつつ、川村記念美術館をあとにしたのでした。

DIC川村記念美術館『DIC川村記念美術館　1990－2025　作品、建築、自然』

会期：2025年2月8日(土)～３月31日(月)

　パウル・クレー展が始まると知ってからこの展覧会はブログにしようと思っていて、巡回展なのでどこで観ようか迷った末に一番はじめの愛知県美術館へはりきって行ってきました。クレーの作品に加えてクレーと関連のある画家の作品もあり、充実した展覧会です。

　実は、展覧の途中で心が折れそうになりました。はりきって来たものの、気ままな感想文とはいえ、私がクレーの作品をブログで表現できるのか、と。会場に入るまでは、クレーに関する知識を私があまり持っていないことで新鮮な感想が書けると思っていたのです。が、それは考えが甘かったようです。

　では、なぜ心が折れそうになったのか。それは、解説パネルやキャプションに書かれているクレーの言葉がとても詩的で哲学的だと感じたからです。詩的で哲学的だとなぜブログにするのが難しいと思ったのかというと、はじめのパネルにこんなことが書かれていたことがきっかけになったと思われます。

“クレーは芸術家による詩的な想像力を重視して「すべての造形芸術は題名に由来する」と考え、絵画よりも詩的な着想を表すのにふさわしいとみなしていた、線描画の制作を続けていたのです。”　

　これはカンディンスキーの　“絵画においては色彩と形だけが本質的だと考え、具体的な要素を取り除いた純粋な絵画を目指しました。”　という考えに対するクレーの考えのことのようです。私がクレーの作品を難しいと思ってしまったのは、このクレーの考え方の本質を私が理解できていないということがあります。私が美術館でいろいろな作品を観るときに、カンディンスキーの考えに近い観かたをしているからかでしょう。この色が好きとか、この形は○○にみえるとか、作品名から勝手に想像(妄想)することが多いですし。単に色や構図や妄想を楽しめばよかったのかもしれません。今回の展覧会の図録はかなりボリュームがあり、クレーの作品の軌跡をじっくりたどることができるので、今この図録を読み込んでいるところです。これで次にクレー作品に出会った時は今回とは違った感想が持てるのではないかと楽しみにしています。

　最後に、とても気になった作品について。カンディンスキーの《緑に向かって》。クレーの誕生日にカンディンスキーが送ったというこの作品は、クレーが用いていた技法を使って制作されたクレーへのオマージュ的な作品だそうですが、「お誕生日に目玉！」と思ってしまったのは、お二人に失礼な感想になってしまうでしょうか。

愛知県美術館『パウル・クレー展―創造をめぐる星座』

会期：2025年1月18日(土)～3月16日(日)

巡回展:兵庫県立美術館　２０２５年３月２９日(土)～５月２５日（日）

　　　 静岡市美術館　2025年６月７日(土)～８月７日(日)

　キモかわいい？　顔の表情とか、頭の形とか、体型とか、少し気味が悪いというかはっきり言って気持ち悪いのに、どこかおどけた感じがして可愛らしくもある、ビアズリーの作品にそんな印象を受けました。今回の展覧会はビアズリー作品とともに、ビアズリーやこの時代の関連作品や、オスカー・ワイルドの「サロメ」に焦点を当てたコーナーもある構成になっていて、そこがビアズリーの奇才を際立たせる見ごたえのある展覧会でした。

　　

　私の作品鑑賞のポイントは「余白」。私がビアズリー作品の中で好きなところが、やはり「余白」です。余白と細の使い分けというのでしょうか。一つの作品の中に、細かなところと大胆に余白にしている部分が同時に存在していて、そのバランスが絶妙なのです。例えば、有名なところでいくと『サロメ』から２点。《サロメの化粧Ⅱ》、初めに描いたものは出版社に没にされ描きなおしたというこの作品、ドレスの胸元のレースはとても細やかに描かれているかと思えば、スカート部分はぐおーんとカーブで三角形が表現されています。２点目は植物はとても細かく描き、左に大きく余白をとって横たわる隊長や小姓を引き立たせている《プラトニックな嘆き》。この余白と細密の使い分けですよ。シンプルでいて大胆な構図がビアズリー作品の魅力の一つでしょう。

　宣伝ポスターも素敵でした。『イエローブック』の創刊号の宣伝ポスターなんて、シンプルだけど左側の女性のドレスがとても印象的。ちょっとロートレックを思わせる感じのポスターもまたよかったです。

　ビアズリーといえば『サロメ』。原作にない場面を描いてみたり、オスカー・ワイルドのスキャンダルに巻き込まれたり、「異端児で奇抜なキャラの変わり者」というイメージでした。今回の展覧会で有名な『サロメ』以外の作品にも触れてみて、単に気味が悪いというだけでなく「キモかわいい？」と感じてしまったのは、実は発想が異端なだけで、絵を描くことが好きでたまらないだけの純粋な青年だったのかもしれないと思ったからなのでした。

（図録の表紙が、書店でも販売されるものと展覧会限定の２種類があり、私は展覧会限定バージョンを購入してきました。)

三菱一号館美術館『異端の奇才―ビアズリー展』

会期：2025年２月15日(土)～5月11日(日)

　　「お久しぶりです！」思わずつぶやいていました。李禹煥の「湯吞」と再会を果たしたのです。正確には以前会った湯呑とは別の湯呑です。２年前の夏、国立新美術館での李禹煥展を観に行ったときに私と湯呑との出会いをご紹介しました(2022年８月29日公開「国立新美術館『李禹煥展』へ行ってきました」も併せてご覧ください)。湯呑との再会に、心が落ち着くようなワクワクするようなそんな体験でした。

　湯呑、湯呑と勝手に言っていますが、前回からの続きということで、もうこれで通そうと思います。《対話》というタイトルなので、一番気になるのは誰とのどんな対話なのかということです。もちろん勝手に想像するわけですけれど、今回ご紹介したいのはこちらです。↓　壁の湯呑は2009年から当館に展示されていた作品で、床のガラスと石は新所蔵作品だそうです。それにしてはしっくりきすぎている。もう何十年も何百年も前から対話をしているように感じます。近くに椅子があったので座って対話が聞こえてこないか試してみました。え、どうやら私のことを話しているみたいです。

「見てみなよ、今日の観客はあそこに椅子に座りこんじゃった。何度もこの部屋に来てじっと見てる。いつまでいるのかな。」

「ほんとだね。もしかして自分たちのこと気に入ったとか。」

「そうかも。けどあの人、聞き耳立ててるみたいだよ。」

「あはは、相当気に入ったんだな。」

　

　隣のスペースには《ナム・ジュン・パイクのグランドピアノ》が展示されていて、モニターからピアノの演奏が流れています。私はお礼を言ってその部屋を出てきました。

「対話の邪魔しちゃってごめんなさい。BGMもあっていいですね。私は楽しかったです。ありがとうございます。また来ます。」

カスヤの森現代美術館『開館30周年記念　李禹煥　合間の遊作』

会期：2024年11月23日(土)～2025年2月23日(日)（休館日：毎週　月・火・水曜日）

　バルセロナ生まれのジョアン・ミロの版画の展覧会です。具体的に何が描かれているのかがわかるのは、ミロの作品には少ないです。タイトルからかろうじて何が描かれているのかを理解できる作品もありました。「あー、なるほど、見えなくもないな」というように。それ以外の作品は、クマのぬいぐるみ？太陽？花？これは足！ミロの魅力はそこなのかもしれないと思いました。何かはわからないけれどイメージを色や形で表現する、それがミロの世界なのですね。

　私はミロの作品での「赤」が好きです。真っ赤ではなく、私にはとても濃いオレンジ色のようにも見えるミロの赤。青や黄色もよく使われているなぁ、すてきだなぁと思っていたら、ミロが生まれたスペインの国旗は赤と黄色なのですね。よく使われているのはそういう理由もあるのでしょうか。ミロの赤や黄色に優しさと凛々しさのようなものを感じるのは、ミロがスペインやその国旗に誇りを持っていたからかな、と思ったのでした。

　　「…ミロはまず頭に浮かんだ形をノートに書き留め、それを徐々に熟成させ、機が熟した時に一気に描いていました。…」これはキャプションからの抜粋です。意外でした。頭に思いつくままにザクザクっと一気に描いているイメージでしたが、熟考の結果だったとは少々驚きました。

　一番気になったのは“目”です。丸や楕円の中に小さな丸が描かれています。全部にではありませんが、多くの作品に“目”があります。実際は本当に“目”なのかはわかりません。“目”だと思ったらもう私には“目”にしか見えなくなってしましました。あの“目”が私の思っている“目”だったとして、ミロはそこから何を見たのでしょう？あるいは見たかったのか。

　来年は東京都美術館でミロの大回顧展が開催されます。どんなミロの宇宙が観れるのか、こちらもとても楽しみです。

群馬県立館林美術館『スペインの巨匠・ミロ　版画の宇宙』

会期：2024年９月28日(土)～12月15日(日)（休館日：月曜日）