美術をもって尊しとなす

　浮世絵版画は日本が誇る技術だと思います。版元、絵師、彫師、摺師の連携プレーでの大仕事です。それぞれの素晴らしく高度な技が遺憾なく発揮された結果、世界中でムーブメントが起きたのでしょう。『深掘り！浮世絵の見方』では、その連携プレーの素晴らしさや、ちょっとやらかしてしまっているところも観ることができます。サイトにもあった通り、マニアも初心者も大満足できる展覧会です。

　この展覧会は７つの章で構成されています。第１章:グレート・ウェーブ、北斎の神奈川沖浪裏をベロ藍とともに深掘り。第２章:浮世絵版画のつくり方、画稿や版下絵を紹介。第３章:浮世絵の線、彫師の神業の紹介。第４章:摺りの違い、同じ版木を使っての別バージョンを紹介。第５章:浮世絵の端、摺師によるバレンの使い方の違いや、修復した箇所が観られる。第６章:浮世絵の文字、検閲の名残や版元印などについて。第７章:江戸の暮らし、花火大会や相撲、魚売りなどの江戸っ子の暮らしがわかる。それぞれのコーナーでいちいち「おお！なるほど‼」と(心の中で)感嘆していました。

　どの章もとても興味深い内容です。第１章で紹介されていたベロ藍について。「ベロ藍」とは、18世紀初めにドイツのベルリンで発見された絵具のことで、「ベルリン藍」略して「ベロ藍」。キャプションに「ベロ藍の美しさを広めたのは北斎、より効果的に用いたのは広重」とありました。富嶽三十六景を刊行したねらいの一つにベロ藍の美しさを前面に押し出すことがあったそうです。まさに狙い通りでしたね。北斎の作品を例にベロ藍が使われ始める前の青とベロ藍とが比較さているのを観れば一目瞭然です。そして広重の作品でその美しさをさらに高めたことがこのコーナーでよく理解でます。

　第６章で紹介されている文字の意味にも面白いものがありました。例えば「シタ売り」。私は今回初めて知ったのですが、作品を店頭には飾らず目立たないようにして販売したもののことだそうです。天保の改革で役者絵の刊行が禁止されてからも版元や絵師は人々の要望に応えるためにあの手この手を使っていたのです。天保の改革対策として絵師も予防線を張っています。「梓元乃応需豊国画」、これを現代語で言うと「出版社(版元)から依頼されて(要望に応じて)私(豊国)が描きました」となります。自分の意志で描いたというよりも依頼されたから描いたのですよ、ですから責任は出版社にあります、という自己防衛の意味なのですって。版元も絵師もしたたかに力強く生きていたのですね。ちなみに謙遜の意味もあったそうです。

　

　ちょっとやらかしているところというのも面白くて、三枚続のカットする部分がズレてしまっていたり、背景の色が同じはずが全然違う色にされていたり、ちょっとしたこういったところも見どころの一つです。

太田記念美術館『深掘り！浮世絵の見方』

会期：2023年12月1日(金)～12月24日(日)（休館日：月曜日）

　国吉康雄、明治生まれで生涯のほとんどをアメリカで過ごした日本人画家。日本ではあまり知られていないかもしれません。私がこの画家を知ったのは岡山県立美術館で《カーテンを引く子供》を観た時です。丸っこい子供がカーテンを掴んでいる様子がかわいらしいなぁと思ったのと同時に、子供の視線が気になりました。何処を（何を）見ているのだろう、と。目はかわいらしいというよりも鋭さがあって強く印象に残っていました。そのあと国吉作品を観た記憶があまりありません。国吉康雄が実際どんな活動をしてどんな人生を送ったのかを知るために国吉康雄展へ行ってきた結果、作品の面白さもさることながら、国吉の人生はこの時代の世界の情勢と大きく関わっていることにとても興味がわきました。

　

　みなさんは、この作品を観てどんな感想をお持ちになるでしょうか。展覧会場入口の一番はじめに展示してあります。

　キャプションの最後にこう書かれていました。「まずは自由に感じ、それを楽しみながら、この会場で他の作品と見比べ、さまざまな背景を確認して、推論を立ててみてください。」

　《安眠を妨げる夢》（1948年）です。このタイトルからしてただサーカスをしているだけの絵ではないとわかります。安眠を妨げるというところに不穏な予感がしますね。淡い色が使われていて一瞬楽しいサーカスが描かれていると思ってしまいそうですが、終戦から３年後の作品と考えるとあまり明るい内容ではないのかもしれません。左の人物が右の人物を助けようとして助けられなかった、私はそんな悲しみを感じたのでした。

　国吉の渡米のきっかけは日露戦争が始まったことです。徴兵されるか移民として渡米するかの選択で、両親は渡米させることを選びます。ロシアとの戦争で多くの若者が戦死していることを聞き、1７歳の一人息子を戦死させたくないという父宇吉の決断でした。当時としては非常に勇気のいる決断だったと思います。愛情の深さを感じました。

　第二次世界大戦中、アメリカに住む敵国民として辛い思いもしたでしょう。国吉の言動は、母国を裏切ったとかアメリカに媚びたとか受け取られることもあったようです。この展覧会で私が彼の作品や言動を知っていくにつれ、裏切りとか媚びるとかそういうことではなく、どこの国で生まれようとどこに住んでいようと彼は一人の表現者としてただ自分の思ったことや感じたことをその言動に表現しただけです。だからなのでしょうか、戦時中でもアート界では国吉を擁護する関係者が多かったようです。評論家からの評価も高く、アメリカの現存画家として展覧会などで何度も取り上げられています。国吉自身も卒業しているアート・スチューデンツ・リーグ・オブ・ニューヨークは絵を学ぶ学生が自分たちで講師を選ぶなど学生が主体となって運営していく学校で、国吉はそこで20年間講師を勤めました。人望と指導力があったのですね。

　

予想以上に奥が深かった国吉康雄の世界、もっと日本でフォーカスされるようになってほしいと思いました。　

茨城県近代美術館『国吉康雄展～安眠を妨げる夢～福武コレクション・岡山県立美術館のコレクションを中心に』

2023年10月24日(火)～12月24日(日)（休館日：月曜日）

　美術に関して独自の勉強を始めるようになってだいぶ経ちますが、いつもいつも勉強不足だなぁと思います。今回訪ねた福岡県立美術館では、福岡ゆかりの画家の展覧会のほか、幅広い分野の企画展が開催されています。今回は博多出身の画家、児島善三郎展です。名前は聞いたことがあったのですが、その作品をじっくり観ることがなかったのだと改めて気づきました。最近、知らなかった作家との出会いが多くてそれもとても楽しみです。

　児島善三郎(1893-1962)は、現在の博多出身の洋画家です。作品を観ていて、この人はとても真面目な一生懸命な人だったのだと感じました。どういうところでそう思ったかというと、他の作家の作品を連想させる作品があるからでした。例えば梅原龍三郎風だったり、パリ留学の成果でしょうか、フォービスムを思わせたりと、いろいろな作風を熱心に研究したようです。展示室を進むにつれて真摯に絵を描くことに取り組んできたことがひしひしと伝わってきます。2年間ほど岡田三郎助に学んだようですが、以降は独学で学んできたからこそ、一層研究に力が入ったのかもしれません。「日本洋画」の在り方を真剣に考えていた画家の一人なのでしょう。昭和５年に結成された「独立美術協会」の中心的な存在だったのですね。恥ずかしながら今回の展覧会で得た知識の一つです。

　

　晩年の療養中の病室には１０数点の描きかけの作品があったそうです。花と花瓶が描かれているその作品群は穏やかさの中にも熱いパッションも伝わってきます。人生の終わりを意識しつつも「描きたい！描きたい！」という気持ちが溢れているようでした。最期まで希望に満ちた画家人生だったのでしょう。

　

　展覧会の最後の作品は児島善三郎の絶筆です。絶筆というのは、何か特別なオーラを感じます。絶筆に至るまでの人生は画家によってそれぞれです。どの画家の絶筆を観てもその人生が反映されて迫力があり胸に迫ってくるものがあります。児島の絶筆の《花》も、花瓶は輪郭だけを残したまま、バラはきれいに、それでいて力強く咲いていました。

　

福岡県立美術館『生誕１３０年　児島善三郎展　キャンバスにこめた希望』

会期：2023年10月7日(土）～12月10日(日）（休館日：月曜日）

　　恒例のポーラ美術館の展覧会へ行ってきました。今回も期待を裏切らない見どころ満載の展覧会です。隅から隅まで紹介したいところです。さてさて、私なりに紹介するにはどこをどんな風に紹介するか、迷います…

　“ジャパニーズ・ペインティング”、アーネスト・フェノロサが日本の絵画をこう呼んだことから「日本画」と訳されて使われ始めたことはよく知られていることです。これがこの展覧会の柱になっています。近代日本画の黎明期から現代作品まで、「日本画とは何か」を問う構成です。

　　日本画といえば、明治時代の画家たちが古典と新しい西洋の技法とを組み合わせて、お雇い外国人と日本人画家とが悪戦苦闘しながら創り上げていきた分野だと私は捉えています。古きを守り新しいものを取り入れて融合させていくのは古代から日本人の得意とするところです。明治から現代まで、日本画とは何かという大きな課題を継承しつつも一つジャンルを確立しています。そんな系譜を実感できる展覧会です。

　　この展覧会でどの画家が紹介されているかと言いますと、狩野芳崖、菱田春草、横山大観はもちろん、岸田劉生、岡田三郎助、藤田嗣治と有名どころの作品はしっかり押さえてあります。杉山寧の作品はここに来ると必ずと言っていいほど展示されていますが、今回は出品数が多く一度にたくさんの杉山作品が観られるところも見どころの一つでしょう。

　現代作家の展示室では、作家の日本画に対する想いがパネルになっています。これは面白かった。作品を観ながら作家の信条を知ることができます。「日本画」という言葉は明治時代からなので日本の歴史からすれば新しい言葉だけれど、日本画の本質は奥が深い。何を描くか、何を使うか、何に描くかも大事だけれど、何を思って描くかもとっても大事なことなのだと思いました。

　現代作家の作品で私の印象に残ったのが、永沢碧衣『解ける者』でした。自然と動物との融合、共存が視覚化されたようで、静かで神聖なものを感じました。

　

　私なりに紹介できればと思いましたがこの感動を上手く言葉にできませんでした。ぜひ実際の展覧会で日本画の変遷を体感していただきたいです。

　

ポーラ美術館『シン・ジャパニーズ・ペインティング　革新の日本画　横山大観、杉山寧から現代作家まで』

会期：2023年７月15日（土）～１２月３日（日）

　どの美術館へ行こうかなぁと展覧会のサイトを見ていた時に、ここへ行ったのは何年前だろう？と思ったら急に行きたくなってしまって、松岡美術館へ行ってきました。

　印象派の展覧会は、作品数は多くないながらも印象派、新印象派、フォービスムの作品を一通り観ることができます。充実した所蔵力ですね。

　　私が今回特に興味を持ったのは常設展示室です。オリエント、西洋彫刻、東洋彫刻とそれぞれ分かれて展示室があります。常設の展示室も広さはそんなにないですし作品数も多くはないのですが、心に残るものが多かったです。

　例えば、古代オリエント室の《エネヘイ像》。エジプトの神官の娘の像です。観ていたら目が離せなくなってしまう不思議な感覚でした。きっとこの人はおおらかで優秀な人物だったのではないかと思えてきました。

　東洋彫刻室は、ガンダーラの仏像やヒンドゥー教の神像が展示されています。間近でこんなに仏像や神像をじっくり観たのは久しぶりです。完全な笑顔ではない微妙な表情なのに優しさが満ちているお顔に見入ってしまいました。

　西洋彫刻室では、ヘンリー・ムアとエミリオ・グレコの作品を観ることができます。ロビーではジャコメッティのかわいらしいネコの作品が観られます。

　前回来館した時にも観ていたはずなのですが、今回の鑑賞は心にぐっと刺さりました。以前よりも鑑賞の時のポイントを掴んできたのかもしれません(笑)。

　ここ松岡美術館は、所蔵作品のみで展示を行っているそうです。創設者の松岡清次郎という人物、かなりの審美眼の持ち主だったのですね。私たち日本人がいつでも素晴らしい作品を観ることができるように美術館を設立してくれたことに美術を愛する一人として感謝です。

松岡美術館『モネ、ルノアール　印象派の光』　展示室５・６

会期：2023年６月20日～10月９日（休館日：月曜日）

　

　抽象絵画を観ることが楽しいと私が思い始めたのは最近のことです。作品のバックグラウンドとは別に自分で勝手に想像できるところに私は魅力を感じます。作家は何を思ってこの線を描いたのか、この色を選んだのかを考えるのも楽しいし、私だったらこんなふうに見えるなぁと思うのも面白い。タイトルから想像することもあるし、《無題》や《作品》といったタイトルだったら「どうぞご自由に想像してください」と言ってもらえた気がして好き勝手に考えます。そんな抽象絵画の想像の世界にどっぷりつかれる展覧会へ行ってきました。

　今回は、私の勝手に想像シリーズの中から２作品を紹介したいと思います。この作品を観てみなさんはどんな感想をお持ちになるでしょうか。

①堂本尚郎《集中する》

　近づくと荒れた海のようにみえる。少し離れて観ると、頭の中のいろいろな思いをまとめようと必死になっている感じ。白の部分はまとまりつつあって頭の外にアウトプットしているように外側に放出しているよう。タイトルとこじつけてしまうと「集中している時の思考を表現」している、というのはいかがでしょうか？

②マーク・トビー《傷ついた潮流》

　

　タイトルの「傷ついた」からつなげると、確かに痛そう。赤色は血が染み出している痛みの部分。とすると青色は？かさぶたとか。実際の傷ではないけれど、傷ついてもいつかは癒えていく。そんなことを想像しました。

　他にもアーティゾン美術館の新収蔵作品にスポットを当てて鑑賞するのも楽しそう。これだけで企画ができるのではないかと思うほどたくさんの作品が新たに収蔵されているようです。見どころ満載で、もう一度行って違った視点で改めて観てみたい展覧会でした。

アーティゾン美術館『ABSTRACTION　抽象絵画の覚醒と展開　セザンヌ、フォーヴィスム、キュビスムから現代へ』

会期：2023年６月3日(土)～8月20日(日)（休館日：月曜日）

　　「未完の聖堂」と言われていたサグラダ・ファミリア。2026年に中央塔「イエスの塔」の完成を目指しているとのことです。この展覧会では、完成目前という視点からサグラダ・ファミリア140年の歴史と、ガウディの情熱を感じることができる、感動的な展覧会でした。

　アントニ・ガウディは、サグラダ・ファミリアの２代目の建築家であることはよく知られています。何代も続く建築家の中で２代目のガウディの思いが100年以上受け継がれているのは、やはりガウディのサグラダ・ファミリアへの情熱と独特な発想ゆえでしょうか。「聖家族贖罪教会」という正式名称を持つこの教会はかなり奇抜で斬新なデザインです。奇抜で斬新な素晴らしさとは、とても不思議な感情で上手く表現できません。もともと少ない給金を制作資金に投じて、乞食と間違われるほどの身なりだったというガウディの熱い熱い情熱が、サグラダ・ファミリアに関わるすべての人・モノにしみわたっているからかもしれません。サグラダ・ファミリアが人々を感動させる源はここなのでしょう。

　そして今回、久しぶりに私の感動度MAXまでいく勢いの展示に出会いました。それはサグラダ・ファミリア「降誕の正面」の歌う天使たちです。目頭が熱くなりました。天使たちの微笑みといったらよいのでしょうか、その表情は穏やかで、暖かくて、優しくて、清らかで、慈愛に満ちていて、歌声とともに柔らかいストールを優しくふわっと肩にかけてもらったようなそんな感覚がありました。天使たちは入口の上に位置しているので、私たちを見守るために下向きですが、私たちは上を見上げて天使たちを見ます。辛いことがあって泣きたくなる時もあるけれど、上を向いて天使たちのあの微笑みと出会えればくじけずに生きていけそうだ、そう思わせてくれるものを感じました。さらにこの天使たちは、あの日本人彫刻家の外尾悦郎さんの作品です。ガウディと外尾さんの情熱の重なりを感じることができてさらに感動です。信仰心の有無に関わらず、多くの人々が感動できるものがあるというのはとても素晴らしいことではないかと改めて思うのでした。

私はまだスペインへ行ったことがありません。サグラダ・ファミリア完成予定が2026年。あと3年ですか！この完成に合わせて、スペインへの旅ができたらいいなぁと思います。

東京国立近代美術館『ガウディとサグラダ・ファミリア展』

会期：2023年6月13日(火)～9月10日(日)

【滋賀会場　佐川美術館　会期：2023年9月30日(土)～12月3日(日)】

【愛知会場　名古屋市美術館　会期：2023年12月19日(火)～2024年3月10日(日)

　絵画作品を鑑賞する時はわりとじっくりキャプションを読みながら作品を観ていきます。今日はキャプションはほどほどにデザインそのものをじっくり観る時間になりました。そして写真を撮りまくってきました。

　はじめは、ソファとか照明とか素敵だなぁとかかわいいなぁとかそんな単純な感想を持ちながら進んでいきました。と、その時見慣れたものが並んでいるのが目に留まりました。そこに置かれていたのは、カロリーメイトとポストイット。カロリーメイトは小腹空いたけど時間がない時によく食べていますし、ポストイットは毎日仕事で使っています。そうですよね、すべてのモノには形と色があるのですよ。毎日見ているから当たり前になっているけれど、そういえばあの黄色い箱は初めてみた時とてもインパクトがあったし、貼ってはがせるメモ用紙ってなんて便利だろうと思いました。こんな当たり前のことに改めて気づいた時の衝撃ってどうしてこんなに感動的なのでしょう。テンションが上がってしましました。

　改めてじっくり観ていくと、計算機、時計、鍋、自転車、カーペット…あらゆるモノはデザインされていて、そこには使いやすさだったり、斬新さだったりが表現されています。これらのモノを自分に必要な用途や感性に従って選んでいるのですね。展示を観ているとモノからオーラが出ているような、動き出しそうなに感じました。デザイン（デザイナー）と使う私たちがモノに命を入れるのだろうなぁ。１度では充分ではなかったので３巡回しました。ワクワクした展覧会でした。

21_21design sight 『The Original』

会期：2023年3月3日（金）～６月25日（日）（休館日：火曜日）

　ざっくり言ってしまうと、私の中では「フジタ（藤田嗣治）と一緒に古代ギリシアの生活を実践した人」という認識しかなく、画家であることは知っていましたが、その作品を観たことがあったのか、実は全く記憶にありません。今回は、私の記憶にそんな印象しかない川島理一郎の展覧会が開催されていると知って、「画家」としての川島理一郎を知る絶好の機会だと思い、栃木県立美術館へ行っていきました。

　遠くから見ても誰の作品かがわかる、独自のスタイルを確立した画家がいます。それこそ藤田嗣治はその一人。正直、川島理一郎はそういう画家ではないようです。フジタとの古代ギリシア風の共同生活はものすごく充実していたようで、絵日記には楽しそうなエピソードがびっしり書かれています。とても仲良しだったようなのでお互いに作風にも影響があったのかと思っていたのですが、共通点はあまり見えてきませんでした。フジタとの生活はあくまで「共同生活」であって、一緒に仕事をするための共同ではなかったのでしょう。パッと見て誰の作品かはわからなくても、素朴でやさしさを感じる作品が多いです。川島自身が理想としていたのは“上品さ”だったそうです。特に蘭を描いた作品今からはその”上品さ“がとてもよく伝わってきました。今までのざっくりな認識を申し訳なく思っています。

　私たちが現在見ることができる川島理一郎の作品は、彼が描いた作品のごくごく一部です。なぜならば、関東大震災と貨物船の沈没によって作品が200点以上喪失してしまっています。その作品が現存していればもっとその名が知られていてもよかったのかなと思いました。

栃木県立美術館『川島理一郎展―描くことは即ち見ること』

会期：2023年4月15日（土）～6月18日（日）（休館日：月曜日）

　毎回新しい発見があるポーラ美術館の展覧会。ブログでご紹介するのは今回で３回目です。ここへ来るのは本当にワクワクします。どんな発見があるのか、早速ピンク色の壁の中へ入っていきましょう。

　今回は「部屋」がテーマです。室内や窓から見た外の風景が描かれた作品が展示されています。展示数は決して多くはありませんが、アーティストごとにブースがわかれていて、広めのブースに作品数はそれぞれ３点前後と少なめなので１作品をゆったりとじっくり鑑賞することができます。

　何度も来ているので、同じ作品を何度も観ることがあります。毎回テーマが違うので同じ作品でもテーマが変わるたびに視点が変わります。「なるほど、そうきたか！」と思わされるところが本当におもしろくて、本当にワクワクします。

　そしてもう一つ、「部屋」に関連する大きなテーマが「窓」です。私が知らなった２組のアーティストが今回私に「窓」というテーマの魅力を教えてくれました。

　写真家ヴォルフガング・ティルマンスの《あふれる光》というシリーズ。窓そのものは写っていないのですが、壁に写った窓がそこにあります。何もなく殺風景な部屋なのに、夕日（または朝日）のオレンジ色からは寂しさよりも温かさが感じられました。

　小さなかわいらしい窓が壁に並んでいる《Inside-out/Outside-in》という高田安規子・政子の作品。開いている窓もあれば閉まっている窓もあります。１２分の１スケールというとても小さな窓だけれど、窓の向こうにはポーラ美術館を囲む森が見えます。ここ数年の思うように外へ出られなかった時期からもう自由になってもいいんだ、窓の向こうへ行けるんだ、という希望が持てた気がしました。

　今回も期待を裏切らない、ステキな展覧会でした。

ポーラ美術館『部屋のみる夢―ボナールからティルマンス、現代の作家まで』

会期：2023年１月28日（土）～7月2日（日）（会期中無休）